初到巴黎时梵高的《自画像》

　　初到巴黎时梵高的《自画像》

　　初到巴黎时梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　点彩派画家修拉的作品

　　点彩派画家修拉的作品

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　平静期的自画像

　　平静期的自画像

　　躁动期的自画像

　　躁动期的自画像

　　梵高的《自画像》

　　梵高的《自画像》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《播种者》

　　《有〈圣经〉的静物》

　　《有〈圣经〉的静物》中标注章节的细节

　　电影《至爱梵高 星空之谜》正在热映，影片采用梵高原画作品中的人物原型还原梵高的艺术人生，让观众在欣赏美到令人窒息的视觉盛宴时，抽丝剥茧地发现隐藏了一个半世纪的秘密。与电影相呼应，在中国青年出版社新近出版的《博物馆里的巅峰对决》一书中，作者姜松将笔触多次划向梵高的画作，带领读者在梵高惊艳众生的色彩中体验天才激越孤独、斑斓绚烂的千面人生。

　　《自画像》

　　梵高自1886年至1889年间共创作了41幅《自画像》，其中油画为37幅。除了一幅作于1888年8月的全身像，其他都为半身像。由于没钱请模特，梵高只好对着镜子画自己。另外，他也将此作为审视和认识自己的途径。因此，欣赏梵高的众多《自画像》不仅能够了解他绘画技法的发展变化，也是了解画家思想状态的一个捷径。

　　初到巴黎时，梵高的画风还属于早期的“灰暗期”。也许是受到荷兰绘画传统的影响，这个阶段的《自画像》人物和背景都以深棕色为主，眼神中也透露出一丝无奈和困惑。

　　随着与巴黎印象派画家的接触与交流，梵高的画布变得明亮了，画面五彩缤纷，笔触充满活力十足，就连眼神也变得镇定而自信起来。

　　在接触到了法国点彩派画家修拉（GeorgesSeur at）的作品之后，梵高借鉴了用彩色圆点进行色彩过渡的技法，他的《自画像》中也出现了很多斑点。

　　随着梵高对色彩认识的逐步深入，圆点逐渐变成了线条。《自画像》中人物的面部和背景都出现了鲜艳的平行线。

　　梵高曾经阐述过他对色彩的理解，认为黄色代表激情，蓝色代表冷静与安全感，而红色则意味着激烈冲突。他最不喜欢绿色，认为它代表了罪恶感和灾难。因此，他以黄色和蓝色为主的《自画像》往往是在他生活的相对平静期（或试图使自己平静下来时）创作的。而以红色、绿色为主色调时，大约就是他的躁动期了。

　　在他后期的《自画像》中，以往平行的线条变成了翻转的旋涡，极富动感和神秘感，眼神也变得空灵而深邃了许多。也许此时梵高的内心也已经超然物外，和他理想中的《星夜》越来越接近了吧。

　　1889年9月，梵高绘制了最后一幅《自画像》。他一改过去不修边幅的习惯，专门剃了须，梳理了头发，眼神中也收敛了过去的执着与焦躁，流露出无限的柔情。这一幅画是他送给妈妈的生日礼物。此时，距他自杀仅有10个月。

　　《播种者》

　　梵高一生最崇拜法国画家米勒（Jean-Fran·oisMillet），最喜爱米勒的《播种者》。其实“播种者”的故事来源于《圣经》。在《路加福音》（路8.4）中，耶稣把传教比喻为播种：“有的种子播在路旁，被人践踏，被鸟啄食，有的播在乱石岗、荆棘丛，种子一长出来就枯干了……而播撒在好土里的，则能结实百倍。”

　　梵高曾如此评价米勒的《播种者》：“在米勒的作品中，现实的形象同时具有象征的意义。”而所谓的“象征意义”，其实反映了梵高的宗教情结。他把绘画当成对自己灵魂的救赎，就如同传播福音、播撒种子一样，经历无数失败后依然初衷不改，相信一定会有种子播撒在好土上。

　　他仿照米勒的原作画过三十余幅《播种者》，数目仅次于《自画像》。充满希望时，他的《播种者》将种子播撒在广阔的农田上，画作色彩也十分鲜艳。失望时，《播种者》变得色彩暗淡，甚至将种子撒在杂树丛中。

　　梵高的宗教情结在《有〈圣经〉的静物》表现得更加明显。1885年，他跟父亲因为对个人事业和信仰的看法不同而经常冲突，不久父亲病故，他陷入深深的自责，10月就画了这幅《有〈圣经〉的静物》来寄以哀思。

　　画中翻开的《圣经》隐约可以看出是《旧约·以赛亚书》第53章的一页，讲述先知以赛亚预言即将到来的救世主是什么样子：“他被人藐视、厌弃，没人尊重他……（可正是）因为他受的鞭挞和刑罚，我们才得以医治。”这句话好像是梵高经历苦痛后的自我安慰，也仿佛是在与父亲争辩，更像是一则预言——在他去世一百多年后，他伟大的艺术作品成为医治心灵的良药。

　　（本文摘自《博物馆里的巅峰对决》，姜松著，中国青年出版社2017年5月第一版，定价：68.00元）

　　（本版文字由燕婵整理）

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